Proceso creativo, Producción y Post Producción
En los tiempos que corren los contenidos escritos pierden cada vez mas relevancia comparado con las nuevas tendencias como videos y medios interactivos pero personalmente soy fanático de la letra, de una buena lectura detallada. Para satisfacer a ambos bandos sobretodo a mi mismo (me encanta escribir), este contenido además de tener entrega por escrito también será publicado en forma de video en mi canal de YouTube.
Son muchas las piezas que deben encajar para crear imágenes, existe una gran diferencia entre tomar fotos y crear una imagen para ello consolidar un flujo de trabajo consistente es de vital importancia a la hora de ejercer como profesional en la fotografía, es una de esas habilidades que se adquieren con la experiencia en el campo y puede variar ampliamente de acuerdo a las preferencias técnicas y estilo de fotografía. En esta oportunidad explicaré en detalle y paso a paso la creación de una imagen relativamente simple usando una sola fuente de luz. El proceso creativo, producción y post producción, todo el flujo de trabajo en detalle.
Proceso Creativo
La chispa de la creatividad puede llegar en el momento menos esperado, la sesión fotográfica que tomaremos como ejemplo fue el resultado de una breve conversación en una visita casi inesperada de la modelo a mi estudio, en cuestión de minutos después de analizar el nuevo look de Kathryn que llevaba un cambio de color en el cabello y un outfit interesante le propuse realizar una sesión fotográfica al instante; sin un equipo de trabajo, sin asistente ni maquillador, una sesión espontánea. Teníamos poco tiempo así que debía pensar en un concepto práctico que pudiera configurar rápidamente.
Urbano, chick, atrevido, desafiante, vanguardia, fueron ideas que en ese momento hicieron click en mi cabeza. Una focal por la vecindad de los 24-40 mm y una perspectiva baja agregando alguna pieza de utilería que permitiera afirmar el carácter del sujeto tal cual imaginaba. Sin dudarlo un segundo y sin preguntar si fumaba le pasé un cigarrillo y le expliqué lo que había imaginado posando de la manera en que quería que ella lo hiciera (hacer de maniquí también es parte de la caja de herramientas). En cuanto al escenario pensé en algo oscuro pero con dimensión, por estos días me aburren los fondos planos, favorezco los espacios así que debía construir un pequeño set. Bingo, habemos concepto … ahora a componer la escena.
Escenario / Utilería
Para crear el fondo del set utilizo una de las herramientas mas versátiles que todo fotógrafo debería tener en su estudio, un VFLAT. Los VFLAT son paneles de icopor, foamcore o incluso madera, con un lado de color blanco y reverso negro que se juntan con una bisagra creada con cinta gaffer o cinta para tubería. Este accesorio puede utilizarse como reflector para añadir luz o como herramienta para sustraer luz, puede hacer de fondo para componer un escenario blanco o negro, también se usa para bloquear fuentes de luz e incluso como camerino de vestuario. En este caso se utiliza para crear un par de paredes negras simulando un espacio.
El piso del estudio no es para nada emocionante e interfiere con la paleta de colores y el sentir general de escena así que decidí utilizar un lienzo que he pintado a mano para cubrir el piso. Hace unos cuantos meses he documentado el proceso de creación de uno de estos fondos en mi canal de YouTube.
Esquema de iluminación y equipos
Un esquema de iluminación simple, una sola luz. Para ello he utilizado un Monolight Godox SK400 II de 400ws con un Beauty Dish de 42cm de interior blanco a 45 grados de la cámara a unos 40 cm por encima de la cabeza del sujeto con 45 grados de inclinación manejando una distancia corta entre el modificador y el sujeto con el propósito de mantener una luz relativamente suave. El Beauty Dish es un modificador muy interesante, uno de mis favoritos; permite crear una luz contrastada no muy dura pero no tan suave como un softbox. La selección del tamaño, superficie y posición del Beauty Dish puede impactar drásticamente los resultados de la fotografía; por ejemplo un dish plateado crea una luz especular mucho mas dura y contrastada, la distancia determina la calidad de la luz y el degradado en la transición entre las zonas de luz especular, medio tonos y sombras. La distancia y el ángulo de incidencia también determinan la forma y el ángulo de caída de las sombras incluso la forma, posición y calidad de los catchlights (reflejo de la luz en los ojos del sujeto). En la fotografía no hay reglas y cualquier cosa que permita desarrollar la visión creativa es válida pero personalmente creo que el Beauty Dish es un modificador de debe usarse a corta distancia debido al tamaño relativo de la luz que produce en relación al tamaño del sujeto.
En la imagen de la izquierda se puede apreciar la escena completa. Vflat por el lado negro, fondo de lienzo en el piso, obviamente la modelo; pero aun mas importante una vista general de la posición de la luz y el patrón de iluminación. El beauty dish es suficiente para iluminar todo el set, el ángulo de incidencia permite que la sombra proyectada por el cuerpo de la modelo caiga relativamente fuera del encuadre; en la sombra es posible observar la calidad de la luz, una sombra no muy suave y no particularmente dura o definida. La imagen de la derecha eeehhmmmm … podemos observar la estación de tethering, MacBook Pro corriendo Capture One Pro 10 y un cable Tether Tools Pro 3.0. Disparar conectado (Tethering) es un componente vital para mi flujo de trabajo, he aprendido a desconfiar de la pantalla integrada en las cámaras, el tamaño es insuficiente, los colores son tremendamente vivos y es muy incomoda para trabajar en equipo. Tampoco esta mal aparecer de vez en cuando en mis fotos, hey Kathryn esta va directo a Facebook xD.
La cámara elegida para esta sesión ha sido mi adorada Fujifilm X-T2 con la óptica Fujifilm XF 18-55mm f/2.8-4 R LM OIS Zoom, esta pequeña y poderosa mirrorless puede enloquecer de felicidad a cualquier fotógrafo que la use, una maravilla. Por último un receptor Godox Cells II-C y un transmisor Godox FT-16s para disparo inalámbrico del flash. Un tip bastante útil para quienes usen Fujifilm, he seleccionado este transmisor en particular por que es universal, al tener solamente un pin central en la zapata lo hace compatible con casi cualquier cámara.
Generalmente favorezco el uso de lentes de focal fija para mi trabajo sobre los lentes de zoom pero estos también tienen un lugar en la caja de herramientas, son perfectos para moverse rápido y probar varios rangos focales sin la necesidad de cambiar de lente. Para esta sesión fotográfica express resulta perfecto.
Tip invaluable para usuarios de Fujifilm: Estas cámaras no son compatibles para disparo conectado directamente con Adobe Lightroom o Capture One Pro, para utilizarlas es necesario descargar totalmente gratis desde el sitio de soporte de Fujifilm el software X-Acquire que actúa como hombre en el medio descargando las imágenes automáticamente hacia una carpeta definida por el usuario que generalmente es la carpeta de captura de su software de revelado de preferencia.
Selección de imágenes
Tener muy clara la visión creativa es vital para el proceso de selección, mi lema es siempre favorecer la calidad vs cantidad, los procesos de post-producción pueden demandar mucho tiempo y esfuerzo así que achicar la cantidad de fotos a solo unas cuantas es vital, muchas veces podemos tener 100 buenas fotografías pero solo un par logran destacarse o satisfacer por completo las expectativas, casi siempre muchas imágenes buenas se pierden pero es necesario aprender a enfocarse y escoger solo un par de imágenes, eliminar el resto y seguir adelante … siempre pensando en el siguiente proyecto.
Hay dos maneras de achicar la selección: edit IN y edit OUT. En la primera (mi predilecta, casi exclusiva) marco las fotografías que se destacan sea con un puntaje o una marca de color, por lo general uso el color verde para etiquetar las fotografías que se quedan en un barrido inicial; luego elimino el resto sin remordimientos, no quiero tener distracciones o maneras de revertir una decisión creativa, siempre adelante. En la segunda (que no recomiendo por eficiencia) se van eliminado las imágenes que no se consideran en el primer barrido dejando una selección positiva paso a paso, según mi experiencia toma mas tiempo y puede crear accidentes.
En un primer barrido de esta sesión he seleccionado (Edit IN) 18 imágenes de las cuales pretendo utilizar dos o tres máximo. En un segundo barrido fácilmente podemos reducir la selección a unas cuantas teniendo en cuenta cuestiones técnicas como enfoque, encuadre, ángulo y cuestiones estéticas como expresión facial, expresión corporal, contenido etc. En un tercer barrido entran en juego las herramientas de comparación con las cuales podemos poner dos o varias imágenes lado a lado, hacer zoom y comparar detalles o utilizar una vista general e ir descartando para achicar la selección.
Los fotógrafos somos apasionados, caprichosos e inconformes (hablo por mi) así que recomiendo ampliamente no realizar el proceso de selección inmediatamente después de la sesión. Considero de suprema importancia revisar las imágenes con ojos frescos, después de un buen descanso y lejos de distracciones. Para seleccionar las imágenes tengo tres reglas personales que trato de aplicar a cabalidad:
- Sé tu peor enemigo
- Respeta la visión creativa original
- Ninguna fotografía es perfecta, haz lo mejor que puedas en el presente pero siempre piensa en el siguiente proyecto y sigue adelante.
Revelado / Capture One Pro 10
Okay, esta es la fotografía seleccionada por razones técnicas, estéticas y por la visión creativa original. Ahora un vistazo a la configuración de la cámara: XF 18-55mm f/2.8-4 R LM OIS Zoom a 28.5mm, un rango focal un poco inusual para un retrato pero ha sido una decisión desde el inicio utilizar una focal amplia para cubrir por completo la escena desde una distancia relativamente corta entre la cámara y el sujeto desde un ángulo bajo, esto permite enfatizar el tono irreverente que se pretende mostrar en la foto, fotografiar personas desde un ángulo bajo denota grandeza y superioridad. Una apertura de F11 garantiza una profundidad de campo amplia teniendo en foco la mayoría de la escena, para mantener una apertura tan cerrada es necesario utilizar toneladas de luz para compensar la poca entrada de luz a la cámara, utilizo un ISO de 250 para utilizar menos potencia en el flash y favorecer la velocidad de reciclado (tiempo mínimo requerido para la recarga del flash entre una foto y otra, mayor potencia = reciclado lento). Todo esto sumado a una velocidad de disparo de 1/160 me permite eliminar por completo la luz ambiente manteniendo un control completo de la luz.
Antes de empezar a revelar el archivo raw siempre me fijo cuidadosamente si la fotografía esta correctamente en foco, la nitidez es muy importante, para ello utilizo el zoom en conjunto a la herramienta de lupa (tecla atajo P en Capture One) revisando cuidadosamente zonas de foco críticos como los ojos.
El siguiente paso consiste en balancear la exposición a gusto, modificar el rango dinámico de la imagen en las sombras y altas luces, claridad, nitidez, viñeta, balance de blancos, correcciones ópticas de lente y otros ajustes menores. Por lo general los ajustes son muy sutiles, creo que la fotografía debe realizarse correctamente en cámara y depender menos de la post producción, yo lo veo como la preparación de una fina pasta, un poco mas de cocción queda blanda, un poco menos y queda dura; la analogía aplica a la toma como tal, la salsa de tomates frescos vendría siendo el revelado y el retoque sería el equivalente al orégano y un poco de pimienta. Después del revelado la fotografía debería estar casi lista. La receta explica claramente por que prefiero Capture One Pro sobre Adobe Lightroom, me permite obtener resultados mas prolijos antes de pasar al proceso de retoque ademas de tener mejor rendimiento, manejo de capas, mejor tratado del color y ni hablar de la estabilidad en el disparo conectado.
El secreto de la pasta de tomate hecha con Capture One frescos está en el manejo de color y una herramienta exclusivamente diseñada para afinar los tonos de piel, esta herramienta es la culpable de que muchos fotógrafos profesionales hayan migrado hacia Capture One, es así de maravillosa y no exagero si les digo que ha sido creada en el Olimpo.
La herramienta permite seleccionar el tono de piel, modificar el rango de colores que afecta, modificar los valores de Hue, Saturación, luminancia … por ahora todo normal, la magia empieza con los parámetros de uniformidad donde es posible generar tonos de piel mas parejos, sin manchas, ahorrando mucho tiempo en correcciones de color durante el proceso de retoque. Como si no fuera suficiente esta herramienta permite crear una máscara a partir de los rangos de color seleccionados con el fin de afinar dicha mascara posteriormente y afectar únicamente las áreas de la imagen que se requieran.
La pasta y la salsa de tomate están a punto, es hora de los condimentos. Para finalizar la fotografía es necesario exportar el archivo RAW ya revelado a Adobe Photoshop, aunque este parezca ser un paso insignificante en el proceso para muchos resulta ser de suma importancia para lograr mejores resultados. No todos los formatos de archivo y configuraciones permiten conseguir los mismos resultados y aquí nos vamos a poner bastante técnicos, entremos al nido del conejo.
El archivo RAW al ser la captura en bruto de la luz digitalizada por el sensor antes de ser procesada en un mapa de bits este archivo contiene una gran cantidad de información, tanta que muchos monitores no tienen la capacidad de mostrar toda la gama de colores que el archivo contiene. El archivo RAW tampoco tiene asignado un espacio de color ni un archivo contenedor como tal, estos parámetros los asignamos en la conversión del archivo RAW revelado hacia el formato de destino. Este contenedor o formato de destino define los parámetros de que tanta información de la fotografía podemos almacenar o procesar, por lo general es preferible usar formatos sin compresión como PSD o TIFF para mantener la calidad pero aquí viene la gran confusión; perfiles de color y profundidad de color.
El perfil de color determina la cantidad de colores del espectro de colores visibles que pueden ser representados de forma digital, algunos perfiles de color contienen una pequeña parte del espectro como sRGB otros como Adobe RGB abarcan un poco mas del espectro, estos dos perfiles son los mas usados pero existe Prophoto RGB también conocido como ROMM RGB que puede contener gran parte del espectro de luz visible, este es el perfil de color que utilizo religiosamente para un flujo de trabajo de post producción.
Un error muy grave es trabajar con archivos de 8 bit, resulta que un espacio de color amplio como ProPhoto RGB requiere un archivo que permita el uso avanzado de tonalidades de color para poder sacar ventaja de sus bondades. en un archivo de 8 bit solo es posible usar 256 valores de tonalidad por cada canal por pixel mientras que un archivo de 16 bit permite … abróchense los cinturones … 65536 tonalidades por canal por pixel. Para no complicar mas las cosas y dejar de hablar de tanta ciencia y números observen lo que sucede con la tonalidad en un archivo de 8 bit comparado con uno de 16 bit.
Supongo que ya sabrán cual es cual … entonces mucho cuidado con las opciones de exportación antes de enviar un archivo RAW para retoque.
Retoque / Adobe Photoshop
Hora del condimento, para el retoque es necesario observar e identificar las zonas a reparar, siempre inicio por reparar la piel, el escenario o cualquier elemento que genere distracción, luego continúo refinando las transiciones entre luces y sombras, procesos como dodge and burn, separación de frecuencias y otras técnicas que pueden ser usadas u omitidas de acuerdo a las necesidades.
En el retoque fotográfico casi siempre hacer menos es mas, hacer cambios sutiles y solo cuando son necesarios. Por ejemplo si observan la postura de la modelo por naturaleza se forman dobleces en el abdomen que no pienso remover, quitarlos sería ir en contra del movimiento natural, para algunos será estéticamente invasivo, para mi es parte del concepto de la imagen, ya había mencionado antes que ninguna fotografía es perfecta. Existe una delgada linea entre ser fotógrafo y artista digital, muchas veces me cuestiono y siempre prefiero ser fotógrafo y menos manipulador digital de imágenes.
la cereza del helado es el trabajo de tonalidad de color, para ello utilizo una serie de curvas, balance de color, mapas de degradado y otras técnicas. Con eso doy por finalizada la post producción.
comparto con ustedes el resultado final. Espero que hayan encontrado útil la información contenida en este post.
Con mucho aprecio — Francisco
